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Nivel 6: Juegos y Arte

Page history last edited by Ciro Durán 10 years, 6 months ago

Esta es una traducción al español del artículo titulado Level 6: Games and Art publicado en el blog Game Design Concepts.

 

Nivel 6: Juegos y Arte

Por ai864. Traducido por Ciro Durán.

 

En este punto me gustaría tomar una pequeña desviación para irnos al tema de "¿pueden ser arte los juegos?". Esto puede ser un tópico extraño para cubrir en medio de algunos principios fuertes de diseño. Es también uno de esos argumentos viejos y gastados que han estado dándose por años, así que ¿para qué perder nuestro tiempo lloviendo sobre mojado? Tengo algunas razones para incluir esto en el material del curso, y eres libre de debatir los méritos y desventajas de su inclusión en el curso.

 

La primera razón para que este tópico esté aquí es porque las próximas semanas estaremos hablando de todo el concepto de "diversión" y de cómo hacer los juegos más disfrutables. Para la mayoría de los diseñadores de juegos practicantes, este es su objetivo principal: Toma Este Juego y Hazlo Divertido. Antes de que nos vayamos por ese camino, quiero hacer quedar claro que la diversión no es el único propósito del diseño de un juego, y de hecho algunos juegos pueden ser pueden ser exitosos en sus metas de diseño incluso si no son particularmente "divertidos" en el sentido que la mayoría de los juegos lo son.

 

Segundo, como un debate que ha estando andando por años, quiero que aquellos que sean nuevos a la discusión tengan una base. Es una de esas cosas que seguramente saldrá en una conversación entre diseñadores de cuando en cuando, y quiero que los novatos entre ustedes estén preparados para entrar en esa discusión. Para aquellos que ya están familiarizados con esto, espero que pueda subir el nivel de tal manera que podamos hacer estas discusiones con un discurso más sofisticado.

 

Tercero, los llamados "juegos artísticos" -- eso es, juegos que están hechos principalmente para propósitos de expresión artística (al contrario del entretenimiento) -- están alcanzado una masa crítica. Por ahí hay mucha gente talentosa haciendo cosas muy interesantes en este campo ahora. Un montón de juegos artísticos son muy simples y pequeños en alcance, hechos por una sola persona en un período muy corto de tiempo. Un montón de avenidas potenciales todavía están por ser descubiertas. Esto hace que los juegos artículos sean una maravillosa oportunidad para aquellos que están buscando establecerse como diseñadores de juegos.

 

Y finalmente, sé apenas algo de historia del arte y crítica del arte para ser peligroso. Luego, tiendo, hasta cierto punto, a hablar sobre un área de interés personal... aunque reconozco que eso sin duda alguna me meterá en problemas en algún punto.

 

Anuncios del Curso

 

Para aquellos que han prestado suficiente atención, he cambiado mi nombre de usuario en Twitter de @ai864 a @IanSchreiber, a petición de mi co-autora Brenda Brathwaite (@bbrathwaite). La idea es que mi nombre verdadero será más sencillo de recordar... suponiendo que la gente aprenderá a deletrearlo correctamente. Ténganlo esto cuenta aquellos que twitean sobre este curso con regularidad.

 

Resultados del Mini-reto

 

He aquí una pequeña selección de las respuestas al mini-reto de la última vez (identifica un deporte físico con un ciclo de retroalimentación, y propón un cambio de regla para eliminarlo):

 

  • Pool Bola 8: Una retroalimentación negativa es que mientras más bolas entroneres, menor cantidad de blancos legales vas a tener. Cambio de regla: las bolas entroneradas se vuelve a poner en la mesa, el primero que entronere cualquiera de 7 de sus bolas puede intentar entronerar la octava bola para ganar. Cambio de regla alternativo: si no entroneras una bola con éxito, el oponente automáticamente obtiene un punto.
  • Artes marciales, boxeo o similares: una retroalimentación positiva es que mientras más golpees a tu oponente, él tendrá menos oportunidades de reprender. Cambio de regla: esperar un día entre rondas. (Quizás poco práctico, pero probablemente bajaría las heridas graves).
  • Fútbol, Basketball y otros deportes en equipos: un ciclo negativo cuando después de anotar, la bola se le da al otro equipo. Cambio de regla: después de anotar, usar una "bola de salto" o equivalente para dar a ambos equipos la misma oportunidad de reclamar la pelota.
  • Croquet: un ciclo positivo es que obtienes tiros extras al golpear estaquillas. Cambio de regla: haz los tiros extra opcionales, mantén la pista del total de tiros hechos durante el juego, el menro número de tiros gana.
  • La mayoría de los deportes profesionales: un ciclo positivo es que un equipo que gana tiende a recibir más dinero (de los fans, por patrocinios, etc.) lo cual les deja comprar mejores jugadores, lo que hace más probable que sigan ganando. Cambio de regla: no dado. (Esto realmente es una lucha con algunos deportes profesionales, porque es más emocionante ver un juego si sientes que ambos equipos tienen oportunidad de ganar. En el mundo real, algunas propuestas que se han hecho para arregla esto incluyen cosas como límites de salario. Los deportes que no hacen algo para prevenir este ciclo tienden a perder popularidad. Y te estoy viendo, baseball americano).
  • Bicicleta, carreras de autos, y similares: ciclo negativo es la habilidad de hacer drafting, aprovechar el efecto de succión que deja un carro para conservar energía que te permita rebasar al contrario luego. Cambio de regla: correr en el vacío (muy gracioso, amiguito).

 

Lecturas

 

Debido a la repsuesta positiva del lunes, seguiré colocando las lecturas al inicio. Lee éstas ahora:

 

  • Challenges for Game Designers, Capítulo 17 (Los juegos como arte)
  • A Theory of Fun for Game Design, Capítulo 12 (Tomando su lugar correspondiente), si decidiste adquirir este libro.
  • Understanding Comics, Capítulo 7 (Los seis pasos), si decidiste adquirir este libro.

 

¿Qué es Arte?

 

Understanding Comics es, como ya lo podrás haber visto, un libro de comics sobre el arte de los libros de comics. Si leiste el capítulo 7, inmediatamente verás un número de paralelismos entre el arte de un libro de comics y el diseño de juegos... aparte del problema de imagen pública que ambos tienen de ser "no serios" y "sólo para niños".

 

McCloud comienza haciendo un intento de definir "arte" como cualquier cosa que no es hecha con la intención de sobrevivir o reproducirse. La mayoría de los estudiantes con los que he hablando piensan que esta es una definición demasiado amplia, pero por supuesto pocos pueden ofrecer algo mejor. Para lo que vale la pena, si aceptas esta definición, entonces el que "los juegos son arte" no es una conclusión descabellada -- después de todo, cuando estás profundamente concentrado en terminar el próximo nivel de Left 4 Dead, o estás considerando tu próximo movimiento en un juego de Ajedrez, probablemente no estés haciendo mucho para ayudar en tu supervivencia o reproducción en el mundo real (a menos que juegues Ajedrez de alguna forma erótica única, en tal caso no deseo enterarme de nada de eso).

 

He escuchado la definición de arte como algo que es comunicativo y transformativo. Esto es también muy amplio, pero también incluye claramente a los juegos.

 

Dictionary.com define el arte como la calidad, producción, expresión, o reino, de acuerdo a principios estético, de lo que es bello, atractivo o algo de mayor importancia. De acuerdo a esta definición, un juego con mucho "dibujo bonito", o un juego que es más que "sólo un juego" por cualquier razón, puede ser considerado arte.

 

Wikipedia define el arte como el proceso o producto de arreglar deliberadamente elementos de tal manera que apela a los sentidos o emociones. Los juegos tienen elementos formales que pueden ser deliberadamente diseñados. Los juegos pueden apelar a los sentidos, obviamente, a través de sus propiedades visuales si no hay nada más. Los juegos pueden apelar a las emociones -- dos ejemplos frecuentemente citados del mundo de los videojuegos son la muerte de Floyd en Planetfall y la muerte de Aerith en Final Fantasy VII, aunque nota qué emocional se puede poner la gente apenas mirando un deporte por televisión, o cuántas amistades y relaciones amorosas se han terminado con un juego de Diplomacy.

 

My intención no es definir el término arte; es hacer notar el hecho de que es tan dificil e inútil como darse a la tarea de definir el termino juego. Más bien, mi punto es que no importa qué definición de "arte" consigas, parece que no es particularmente dificil incluir juegos dentro de esa definición.

 

¿Por qué entonces el problema?

 

Si los juegos calzan con cualquier definición razonable que podamos pensar de "arte", probablemente te preguntes por qué esto es siquiera un debate. ¿Por qué las afirmaciones, reales o imaginarias, de que "los juegos no pueden ser arte"?

 

Aquí es útil hacer la distinción entre "arte" puro y simple y las "bellas artes" que es más intelectual -- el tipo de arte atemporal que captura y comunica la esencia de la experiencia humana. Shakespeare. Da Vinci. Monet. Ese tipo de cosas. El argumento entonces, puede que no sea que los juegos no puedan ser "arte" en el sentido de que puedan ser deliberadamente hechos con algún propósito, sino que los juegos no puedan alcanzar el nivel de "bella arte" debido a algo inherente en el medio.

 

No me extenderé más en el tema porque está ampliamente cubierto en el ensayo de Clint Hocking On Authorship in Games, el cual generosamente nos dio permiso de reimprimir en el texto Challenges.

 

Si estás notando a estas alturas un tema en mis lecturas, puedes ver cómo opino personalmente del asunto. Puede ser que no tengamos todavía el equivalente en videojuego de la Mona Lisa o de Ciudadano Kane, pero eso solo significa que existe una oportunidad. Así que, pasemos de este tema. Asumamos por el momento que los juegos pueden ser un medio válido para la expresión artística, y comencemos a hablar de cómo haría uno para lograr eso.

 

Seis Pasos

 

Quería resaltar dos puntos claves que se refieren a la lectura en Understanding Comics. La primera era la definición de arte de McCloud. La segunda es sobre las seis capas del arte:

 

  • Idea / Propósito. ¿Cuál es el mensaje que se va a expresar, la semilla de la idea para una historia que debe ser contada? ¿Por qué estás creando una obra de arte en primer lugar?
  • Forma. ¿Qué medio artístico usarás para expresar tu mensaje? ¿Óleo? ¿Escultura? ¿Danza? ¿Libros de comics? ¿Juegos?
  • Idioma. Lo que McCloud llama idioma se conoce más comunmente como género cuando hablamos de juegos. Shooter en primera persona, estrategia en tiempo real, simulación de vehículos, MMORPG, y así (para juegos de mesa: juegos de manejo de recursos, juegos de pista de lanzar dados y moverse, juegos de dados, juegos de poner cuadros, juegos de apuestas...).
  • Estructura. En las historias, este es el arco básico de la trama, personajes, y otros bloques de construcción. En los juegos, podríamos llamar a esto la "mecánica fundamental" del juego. ¿Cuáles son los componentes estructurales que forman el corazón de la experiencia del usuario/espectador/jugador?
  • Artificio. En los libros de comics, esto incluye qué tan bien contada está una historia. En los juegos, es la habilidad de hacer que las reglas y experiencia de juego sean tan intuitivas y naturales, que los jugadores no estén luchando contra las reglas sino más bien disfrutando la partida.
  • Superficie. Esta es la capa externa de la experiencia: los colores, sonidos, visuales, belleza, atención a los detalles que son inmediatamente percibidos. Lo "bonito" de la pieza.

 

McCloud nota que un lector de comics experimenta el trabajo desde la superficie hacia adentro. Primero ves la superficio; luego, mirando más adentro, disfrutas la historia. Aún más profundamente, puedes ver las ideas detrás de la historia, y quizás apreciar a un artista innovador incluso si la calidad del dibujo no es tan buena como quisieras. Con aún más estudio, puedes ver las divisiones entre diferentes géneros y estilos, e incluso entender la razón por la cual ciertos elementos de la historia y otras convenciones ocurren dentro de un género. Mirando aún más profundamente, puedes eventualmente ganar una apreciación del medio de los comics, entendiendo las maneras que lo hacen único como forma de arte; y, puedes ver las ideas detrás de un trabajo, el propósito detrás de lo que es en esencia, literatura atemporal.

 

Probablemente notarás que esto también se aplica a los juegos.

 

McCloud también nota que, mientras que una obra es encontrada "desde afuera hacia adentro", es todavía creada de "adentro hacia afuera" -- el creador debe primero decidir una idea y una forma y luego escoger un idioma dentro de esa forma, incluso antes de poner el lapiz en el papel. Estas elecciones pueden ser deliberadas o pueden ser hechas temeraria o emocionalmente, pero deben ser decididas de primero. Luego la estructura debe ser definida; luego los detalles deben ser dispuestos en el artificio; y finalmente la superficie debe ser creada.

 

¿Te suena esto familiar? Debería. Es, en gran parte, volver a decir el marco MDA.

 

De hecho, creo que los seis pasos de McCloud es una extensión de MDA. La mecánica es casi un equivalente a la estructura de McCloud; la dinámica análoga al artificio; y la estética similar a la superficie. No es un paralelismo directo, pero se acerca.

 

En ambos casos, el consumidor le concierne la superficie, mientras que el verdadero artista mira hacia el corazón del proceso artístico.

 

Hacia un proceso artístico

 

Si MDA representa las tres capas externas de una obra de arte, ¿cómo representamos las tres capas internas? Para responder esto, volvemos al modelo de McCloud.

 

McCloud toma un paso adicional importante sobre LeBlanc y otros. Él dice que mientras las obras son experimentadas de afuera hacia adentro y creadas de adentro hacia afuera, los artistas y otros creadores siguen un proceso de aprendizaje de afuera hacia adentro.

 

Piénsalo. ¿Cuál fue tu primera "Gran Idea" para un juego? Probablemente involucraba las características superficiales de un juego que te gustaba. "Será como Pac-Man conoce a Space Invaders. ¡Solo que mejor!" Mucha gente comenzó haciendo "modding" de un juego que les gustaba, tomando el mecanismo de juego existente y simplemente cambiando algunas de sus características superficiales -- cambiando la apariencia de los personajes en el juego, rediseñando toda la parte gráfica para que en vez de ser Marines Disparandole a Aliens en el Espacio, el juego hacia se ve como Magos Luchando con Dragones en las Montañas. La misma mecánica, la misma mecánica, superficie diferente.

 

¿Y luego qué pasó? Quizás jugaste suficientes juegos para ver más allá de la superficie, para ver cuáles juegos con dragones y bolas de fuego y magos eran divertidos y cuáles no, y que la diferencia no provenía de la historia o del género sino de la mecánica. Y luego comienzas a ver los diferentes tipos de juego, y cuáles tipos son y no son divertidos. Con aún más experiencia y estudio puedes tener una buena sensación de qué tipo de mecánica lleva a una jugabilidad atractiva. Y puede que eso sea todo lo que quieras o necesites para convertirte en un diseñador establecido que es conocido por hacer juegos en ciertos géneros establecidos que son divertidos.

 

Pero si miras un poco más allá de eso, comenzarás a preguntarte: ¿de dónde vienen los géneros? ¿Quién decide que cierto conjunto de mecánicas fundamentales pueden ser copiadas de juego a juego, con variaciones, y que este particula conjunto de mecánicas crea un buen juego? ¿Cómo se crean los nuevos géneros? ¿Existe un proceso para hacer lo que nadie ha hecho antes, encontrando un conjunto esquivo de mecánicas emocionantes que no ha sido aún descubierto? Y podrías ser reconocido por crear uno o más géneros nuevos de juegos. Puede o no que seas capaz de tomar esos géneros y pulirlos tanto como puedas, pero puedes crear algo que otras personas puedan tomar, esos que trabajan más cerca de la superficie, que puedan usar tus ideas fundamentales y perfeccionarlas.

 

¿Eso es todo lo que puedes hacer? Es probablemente más de lo que cualquiera de nosotros puede aspirar en nuestras vidas. Y sin embargo, te puedes estar preguntando si hay algo más que eso. Y hay dos caminos a explorar: idea y forma.

 

Si exploras la forma, puedes empujar las fronteras del medio. ¿De qué son capaces los juegos? ¿Pueden generar emociones en el jugador (otra cosa que un arranque de adrenalina y fantasías de poder)? ¿Qué clase de cosas pueden ser expresadas a través de juegos mejor que otro medio artístico? ¿Cómo puedes usar juegos en formas que el medio no ha sido utilizado antes -- no solo en estilos de jugabilidad nuevos, y no solo en nuevas formas de viertirse, pero como una manera de expresión o transformación en el jugador? ¿Puedes cambiar la mente de alguien? ¿Puedes cambiar su vida? ¿Puedes tocarlos en maneras que una pintura o una película no pueden? ¿Cómo? Y luego creas un trabajo experimental, probablemente juegos muy pequeños, que exploran algún aspecto de lo que los juegos como medio pueden y no pueden hacer. Estos juegos puede que no sean particularmente interesantes o emocionantes para una gran audiencia , pero le darán muchas ideas a otros que trabajan dentro del medio, que pueden usar tus experimentos y modificarlos para expresar sus propias ideas significativas.

 

Si exploras esta idea/propósito, puede que entonces tengas un mensaje qué comunicar al mundo, y has escogido a los juegos como tu método preferido de expresión. Aquí, el reto es comunicarte en un medio donde el jugador, y no el diseñador, está en control de la experiencia. Debes usar cada truco que conoces para proveer significado a través del juego. ¿Qué ideas quieres expresar? ¿Qué significado oculto existe en tu vida que quieres compartir?

 

Muchas preguntas, pocas respuestas...

 

Puede que te preguntes a esta hora si hay alguna respuesta acerca de cómo hacer esto. Yo no la tengo, pero esto es por la naturaleza del arte.

 

Este curso trata principalmente con las tres capas externas del arte del diseño de juegos: Mecánica, Dinámica y Estética (o si lo prefieres, Estructura, Artificio y Superficie). Enseñar cómo hacer juegos irresistibles mediante la creación de sus reglas es de por sí una tarea dantesca para un curso de diez semanas; enseñarte a crear géneros nuevos o romper las barreras del medio quizás sea mucho.

 

Pero más allá de eso, como dice McCloud, las tres capas internas no pueden ser aprendidas de una clase o de un libro. Para entender el corazón de una forma de arte, tendrás que pasar toda tu carrera haciéndolo, quizás 20 o 30 años o más, trabajando en pro de esto por ti mismo. Y eso sólo si quieres. Puede que no tengas interés en esto, y eso está perfectamente bien. El mundo puede que necesite más gente rompiendo barreras de los juegos como medio artístico... pero el mundo también necesita buenos juegos. Sólo tú sabes qué tan lejos puedes o quieres llevar tu arte. No está de mi parte decírtelo, sino más bien señalarte el mapa que te llevará a donde quieres ir.

 

Y ahora, un poco de historia del arte.

 

Esta es la parte que siempre me pone en problemas, porque mucha gente desconfía y adquiere una actitud cínica del arte contemporáneo. Cualquier tipo que se llame "artista" puede defecar en un recipiente y venderlo a una galería de arte por 20 mil Euros, y el resto de nosotros se pregunta cómo podemos nosotros hacer que la gente nos pague tanto dinero por nuestro propio excremento. ¿Esto es arte? Y si lo es... ¿es esto a lo que los juegos aspiran ser? Ayuda dar un paso atrás y ver cómo nos metimos en esto, porque los juegos calzan muy bien con el arte contemporáneo y deberíamos realmente entender por qué.

 

Viajemos al Renacimiento, momento en el que la pintura fue elevada a la categoría de arte. En aquel entonces, el arte se suponía que era una representación fidedigna del mundo; el marco de la pintura podía ser pensado como una ventana por la cual podías ver esta otra realidad. Mientras más realísticamente una obra de arte describiera una escena, mejor era el artista. Juzgar arte era tan simple como ver cómo era la vida -- ¡simple! Y luego alrededor de 1890, se inventó la cámara fotográfica y lo arruinó todo.

 

Ahora, con las fotografías capaces de crear una reproducción 100% fiel, la vieja forma de arte de pronto se volvió obsoleta. Los pintores tuvieron que preguntarse a sí mismos: ¿y ahora qué?

 

El artista Wassily Kandinsky, seguido de muchos otros, comenzaron a preguntarse si el arte podía ser su propio objeto, en vez de una representación de algo más: ¿qué tal si el lienzo era una "pantalla" en vez de una "ventana" o un "espejo"? Y así llegó lo que hoy llamamos arte abstracto, arte que no es simbólico o representativo de nada excepto de sí mismo.

 

¿Y cómo juzgas este tipo de arte? ¿Cómo puedes decir que un artista es genuinamente talentoso e inspirado, a diferencia de un impostor que solamente tira pintura al azar y espera honores inmerecidos?

 

El crítico influyente Clement Greenberg ofreció una solución: juzga al arte puramente por su valor estético. La ejecución técnica es reina. El artista es el creador, y una buena obra de arte debería proveer el mismo valor estético, sin importar quién lo esté viendo, si es que alguien lo está viendo. Greenberg formalizó lo que hoy se conoce como "arte moderno" (moderno en este caso se refiere a un período de tiempo específico entre 1910 y 1950, y no debe confundirse con el arte contemporáneo que es el arte de hoy en día).

 

A lo largo de las próximas décadas, el mundo del arte experimentó un rechazo del formalismo Greenbergiano, insistiendo que el arte no debía ser pasivo sino interactivo; debería ser un diálogo entre el artista y el espectador; al arte se le permite tener múltiples interpretaciones; el arte debería llevar significado. Esta era se conoce como arte "postmoderno".

 

Durante la década de 1960 y 1970 especialmente, el arte se encontró con un problema potencial: se volvió mercancía de moda y de pronto artistas de renombre valían mucho dinero. (Y te escucho decir: caramba, todos deberíamos tener tales 'problemas'). Sin embargo, muchos artistas sintieron que su trabajo estaba siendo devaluado en el sentido de que lo habían hecho con un propósito y en vez de hecho era tratado como un producto. El trabajo no era tan importante como el nombre que tenía al lado. Y tener una ganancia saludable era bueno para algunos artistas, era el costo de "venderse"... algo que no todos los artistas estaban dispuestos a comprometerse.

 

Ahora mira a los juegos. ¿Te suena esto familiar?

 

¿Cómo juzgamos a los juegos? Reseñas con puntaje numérico. Ejecución técnica. Elogios de la crítica por el sonido o los gráficos. Los reseñadores de juegos dan a la diversión un puntaje de 1 a 5, implicando que lo que es divertido para un reseñador será igualmente divertido para todos los lectores. El estado actual de la crítica de juegos es el equivalente del formalismo Greenbergiano. Estamos, aparentemente, trabados en un viaje en el tiempo que nos lleva de vuelta a 1930.

 

¿Son los juegos más Modernos o Postmodernos? ¿Son pasivos o interactivos? ¿Producen los juegos diferentes experiencias de juego para diferentes individuos, o el juego provee la misma experiencia para todos? ¿Los juegos lleva simplemente visuales, o son capaces de llevar un significado más grande embebido en su mecánica? Puede que no estés de acuerdo con esto, pero yo veo a los juegos los veo muy bien como una forma de arte Postmoderna. Espero que algún día, los reseñadores de juegos comiencen a ver los juegos a través de este lente.

 

¿Y qué hay del dinero? Los juegos están sufriendo definitivamente el "problema" de ser convertidos en mercancía. La industria del videojuego excede los 20 mil millones de dólares por año en estos días. No tengo cifras para la industria de los juegos de mesa, pero dada la cantidad en millones de copias que venden Scrabble y Monopolio cada año, me imagino que es significativa. La mayoría de grandes estudios existen para hacer juegos que hagan dinero, y algunas veces los desarrolladores deben comprometerse entre su deseo de hacer algo único y algo que venda.

 

¿Y cuál es el punto de todo esto? Simplemente que si ésta es un área de interés para ti, entonces vale la pena estudiar historia del arte. El mundo de los críticos de arte e historiadores del arte ya averiguó cómo juzgar si algo es "arte"o no en 1917 cuando Duchamp firmó con un pseudónimo un urinario y lo llamó arte. De hecho, mientras muchos desarroladores imaginan que el mundo del arte de forma engreída se negará a reconocer a los juegos como dignos de atención, esto es solamente fantasía; la relaidad es que los juegos han estado en el radar de los críticos durante un buen rato. Mi propia búsqueda de literatura consiguió artículos tan viejos como de 1994 (nota que esto es un año antes de que el primer PlayStation fuese lanzado). En todos los casos que pude consieguir -- y estoy hablando de revistas académicas de arte -- no solo los videojuegos son analizados, pero hay una suposición implícita de que los juegos son arte. No encontré ningún artículo que desperdiciara tiempo defendiendo a los juegos como una forma artística; era una suposición a prori. Así que deshagámonos de nuestros delirios de persecución, y hagamos arte.

 

¿Qué son los Juegos Artísticos?

 

¿Cómo hace uno para diseñar un juego que sea artístico en su propósito en vez de ser llevado enteramente por el entretenimiento? Esto depende realmente de lo que cuente como "arte", ya que hay muchos juegos que ya se han hecho principalmente como forma de expresión. Como verás, caen en varias categorías. Puede que me falten algunas categorías aquí... en parte porque hay juegos que sin duda alguna pueden ser llamados "arte" que todavía no haya visto, y en parte porque este es un espacio en gran parte inexplorado. Pero estos deberían darte algunos puntos de partida.

 

Te daré algunos juegos para jugar. Anda y juégalos primero. Luego, lee a continuación para discutir más. Los siguientes juegos deberían jugarse en unos pocos minutos, usualmente cinco o menos. Aquellos que tomen más, te darán al menos una idea general de la jugabilidad instantáneamente, y puedes jugarlos más si quieres. Juega algunos o todos, como lo permita tu tiempo.

 

Juegos

 

  • Passage y/o Gravitation, por Jason Rohrer. (partidas de 5 y 8 minutos, respectivamente)
  • The Marriage, por Rod Humble. (Se puede jugar en unos pocos minutos)
  • Stars Over Half-Moon Bay, por Rod Humble. (Se puede jugar en unos pocos minutos)
  • September 12, por Gonzalo Frasca. (Se juega indefinidamente, pero la mecánica es simple e inmediatamente aparente en el primer o segundo minuto)
  • Samarost, por Amanita. (Toma un momento jugarlo completamente)
  • Cloud, por Jenova Chen. (Toma un momento completarlo, pero te muestra la mecánica principal en el primer nivel, que toma unos pocos minutos)

 

Lecciones aprendidas

 

La pregunta de que si los juegos pueden ser "arte" continuará siendo debatida por algún rato, supondré. Para nuestros propósitos, es más bien un debate infructuoso; si te interesa hacer una expresión artística a través del medio del juegos, entonces hazla.

 

Estudia el arte y el proceso artístico puede ser útil para los diseñadores de juegos. Si te estás preguntando qué hacer después de que termine este curso, entonces ésta es una de las potenciales fuentes que puedes explorar para profundizar tu entendimiento del diseño. Incluso si no estás interesado en convertirte en un artista, puede que estés interesado en crear arte de algún modo, y es bueno entender un poco acerca lo que es el arte y qué hacen los artistas. Como lo dice Koster en la lectura de hoy en Theory of Fun:

 

"Más importante, los juegos y sus diseñadores necesitan reconocer que no hay distinción entre arte y entretenimiento... todo el arte y todo el entretenimiento están planteando problemas a la audiencia. Todo el arte y todo el entretenimiento están empujándonos hacia un mejor entendimiento de los patrones caóticos que giran alrededor de nosotros. El arte y entretenimiento no están en términos de tipo -- están en términos de intensidad".

 

Ahora, acerca de esos juegos

 

Al ver algunos de los juegos que se ven referidos en varias discusiones de arte, podemos obtener algunas pistas acerca de cómo podemos crear nuestros propios planteamientos artísticos a través del juego. Debería aclarar que lo que sigue a continuación son mis propias interpretaciones personales de estos juegos, y tus experiencias (o la intención del artista) pueden variar. Yo no veo esto como un problema; el arte Postmoderno permite múltiples interpretaciones y múltiples capas de significado.

 

Samarost es "arte" más que nada en el sentido visual. Es como una pintura interactiva: gráficos muy agradables, y una forma bonita de exploración. Los creadores están yéndose a alguna reacción visual en particular en el jugador.

 

Cloud da un paso adelante con respecto al anterior, tratando deliberadamente de crear una respuesta emocional en el espectador (específicamente, la emoción del asombro infantil cuando ves las nubes). Algunos de mis estudiantes lo han encontrado quizás muy intenso en este aspecto, y les recuerdo que este fue un trabajo exploratorio que trataba de responder la pregunta de que si los juegos podían inducir a la emoción en absoluto, así que cualquiera podría esperar que el resultado fuese amplio.

 

Tanto Passage como Gravitation expresan una idea o sentimiento específico (aquellos de la muerte o morir, o ser padre, respectivamente). Rohrer tomó sus propias emociones e hizo lo mejor que pudo para traducirlos directamente al juego. La diferencia entre estos juegos y Cloud es que la meta de Cloud es crear una emoción; con Passage y Gravitation, la meta es la auto-expresión de las emociones del creador.

 

The Marriage es similar al trabajo de Rohrer, pero The Marriage está expresando una idea en vez de una emoción (específicamente, Humble intenta detallar la mecánica detrás de una relación larga, y por lo tanto el título).

 

September 12 también expresa una idea (principalmente, que declarar la guerra al terrorismo es un concepto errado), pero toma las cosas un paso más adelante. Mientras que el trabajo de Humble y Rohrer es simplemente una expresión de las ideas y emociones del artistas, September 12 es un intento de persuadir a la audiencia.  Esto no es exploración, sino una retórica, haciéndo que tenga un propósito ligeramente distinto a los otros.

 

Stars Over Half-Moon Bay es similar a The Marriage en que expresa una idea (en este caso, hace algunos planteamiento sobre el proceso creativo y de cómo comienzas con un cielo abierto de posibilidades, y luego las cosas se tornan nubladas cuando entras a este proceso misterioso de creatividad e innovación, y al final las cosas se cristaliza y juntas las piezas para hacer algo permanente. A lo que refiere a diseñadores de juegos y otros artistas que luchan contra el proceso creativo, Stars es aún más "meta" que The Marriage. Mientras que The Marriage podría en teoría hablar a una audiencia que quiera entender el concepto de relaciones largas, Stars habla directamente con la audiencia de otros diseñadores de juegos sobre los retos de su medio.

 

Mirando a estos juegos en el contexto de los seis pasos de McCloud, podemos ver algunos patrones surgiendo. He aquí algunos posibles puntos de partida para juegos artísticos:

 

  • Usar los juegos como medio de auto-expresión ("Idea/Propósito"). Puedes expresar un sentimiento, una idea o una ideología. Puede que simplemente estés presentando tu expresión, o realmente persuadiendo a la audiencia de tu punto de vista. Para expresión emocional, comienza con la Estética (en el sentido de la MDA) y trabaja hacia atrás: ¿qué emoción quieres que el jugador sienta?, ¿qué dinámica causaría esa emoción?, y finalmente, ¿qué mecánica puede crear ese tipo de juego? Para la expresión de ideas, recuerda que los juegos son sistemas; encuentra los sistemas detrás de las ideas que quieres expresar, y luego consigue la jugabilidad inherente a esos sistemas. (Debería mencionar la serie de juegos que está haciendo mi co-autora, incluyendo Train, los cuales exploran los sistemas detrás de la atrocidad humana. Desafortunadamente estos juegos son no digitales y por lo tanto no te puedo dar un enlace para que los juegues. Pero sí quería señalarlos para aquellos que piensan que solamente los videojuegos son capaces de ser artísticos).
  • Usa los juegos para explorar las limitaciones de los juegos-como-medio-artístico ("Forma"). En este caso, comienza con la pregunta: ¿pueden los juegos hacer X? (lo que sea que X sea) Luego, trata de responder esa pregunta diseñando un juego que intente hacer X.
  • Crea una obra de arte tradicional, con elementos interactivos similares a un juego ("Superficie"). En este caso tu proceso creativo puede que sea distinto al del diseño de un juego.

 

¿Existen otros trabajos artísticos que puedes hacer en los otros pasos? Creo que sí, pero no lo hemos explorado en buena parte.

 

Juegos para la Casa

 

Hoy ofrezco una variedad de diseños que no se basan en el nivel de experiencia sino en un area de interés (Debo admitir que la mayoría de nosotros somos novatos en esta area, incluso si somos diseñadores experimentados). Aquí hay cuatro opciones, todas inspiradas por los "cortos no-digitales" al final del capítulo correspondiente en Challenges:

 

Opción 1 (Creando emociones): Diseña un juego no-digital que introduce a los niños el concepto de dolor. Publica las reglas y los componentes requeridos. Si lo deseas, que también incluya un comentario de cómo te acercaste a este problema y por qué crees que tu juego lo logra (o no).

 

Opción 2 (Persuasión): Modifica el tablero de RISK para alentar la paz mundial. Publica tus cambios a las reglas originales. Si lo deseas, incluye un comentario acerca de lo que intentabas hacer, si crees que lo lograste, y por qué o por qué no.

 

Opción 3 (Explorando las fronteras de los juegos): Diseña un juego que intencionalmente tenga reglas incompletas, requiriendo que el jugador cree las reglas durante la partida para que pueda ser jugable. Publica tus reglas (incompletas).

 

Opción 4 (Explorando la naturaleza del medio): Escoge un juego digital que consideres artístico e inspirador. Crea las reglas para una versión no digital de ello. Nota como la diferencia en el medio afecta la experiencia; piensa acerca de los tipos de ideas artísticas que se expresan mejor en forma digital o no digital. Publica tus reglas, más un comentario.

 

Escoge cualquiera de estos que más te interese, y haz un post en el foro relevante. He creado un área de discusión para cada una de estas cuatro opciones. Haz tu post antes de la próxima lección pautada aquí: antes del lunes 20 de julio a las 12 del mediodía GMT. Luego, ofrece una crítica constructiva de al menos otros tres posts en el mismo foro (eso es, con el mismo área de interés que tú). Haz esto antes del jueves 23 de julio a las 12 del mediodía GMT.

 

Llamado para Contenido

 

¿Tienes un "juego artístico" que hayas jugado y que no haya sido mencionado en esta lección o en el libro Challenges? Publícalo, junto con un enlace y un resumen corto, al wiki del curso bajo la sección "Art Game" (Si no estás registrado en este curso y quieres contribuir, déjalo en los comentarios aquí o publícalos en Twitter con la etiqueta #GDCU, y yo u otra persona lo agregará).

 

Mini-Reto

 

Inventa un concepto fundamental para cualquier tipo de juego artístico que pueda ser expresado en 135 caracteres o menos. Publícalo en Twitter con la etiqueta #GDCU. Un concepto por persona, ¡por favor! Envía el tweet antes del 20 de julio, a las 12 del mediodía hora GMT.

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